KAGUYA-HIME NO MONOGATARI

DESCRIPTION

CAST

MOVIE DramaKaguya-hime
MANGA DramaTaketori Monogatari
MOVIE FantasyKaguya-hime (1972)

REVIEWS

• 

  Mionge

  95/100
  Kaguya-hime no Monogatari, O que se leva da Vida

  Kaguya-hime no Monogatari, O que se leva da Vida

  O texto contém spoilers, mesmo que estes não sejam de muita relevância no entendimento da obra, recomendo que tenha visto o anime antes, caso apenas queira uma recomendação... Veja o filme, eu garanto que não será igual a nada que você já tenha visto.
  Para a organização das imagens dentro do texto foram usadas as abas de spoilers, clique nelas para abrir as imagens, elas são parte importante da análise.

  Introdução

  Uma preguiça, como disse seu amigo Hayao Miyazaki, havia reacordado, 9 anos e 5 bilhões de Ienes, muito tempo e muito dinheiro dizem alguns, entretanto esse foi o necessário para criar a maior obra de animação da década de 2010, quiçá do século XXI. A obra mais cara de toda a história midiática japonesa, Kaguya-hime no monogatari, do diretor Isao Takahata, nunca chegou a se pagar, mesmo com seu grande sucesso de vendas. Entretanto, dinheiro é dinheiro, arte é arte, ela é feita daquilo que necessita, e o resultado foi de uma grandiosidade inigualável, e o que faz desse anime tal ícone é o que será abordado nesta análise.

  Do Japão Feudal aos Tempos Modernos

  Taketori Monogatari, também conhecida como Kaguya-hime no monogatari, é uma história folclórica datada do século X, a mais antiga prosa japonesa que se tem relato. Narrada de boca a boca e escrita em pergaminhos por todo o Japão, sua importância no país é tão grande que duas das possíveis fontes do nome do monte Fuji vem dela. Sua adaptação por Isao Takahata buscou respeitar o máximo possível deste legado, tentando cumprir a maior parte do roteiro fidedignamente. Entretanto, seu objetivo não era fazer uma cópia animada de uma história tão velha, mas sim adaptá-la, criar sua versão, para isso alterações se fizeram necessárias. Uma das coisa introduzidas por ele é a sua interpretação, no original o motivo de Kaguya ter vindo à terra é incerto, algumas variações dizem ter sido um pecado cometido no Reino da Lua, outras que teria sido por uma promessa antiga, porém, nenhuma delas é certa. O diretor então introduz sua versão, ela teria descido ao mundo dos humanos por querer ver suas belezas, por ter ouvido sobre elas de um outro deus que já havia estado lá. Outro ponto alterado é o desenvolvimento da protagonista, para que o drama em torno dela seja mais eficiente.
  À parte destes aspectos e dos detalhes adicionados para trazer renovação e profundidade à adaptação, muito é feito pensando no legado desse conto para a cultura do país. Opta-se por manter diversos elementos de caracterização clássicos utilizando mesmo pinturas antigas na elaboração de cenas, em sua composição, coloração, design, entre outras. Como pode ser visto abaixo:

  

  

  

  Nota-se as referências diretas aos quadros e o uso de composição e coloração análogos aos clássicos, como o Yamato-e e o Ukyo-e. Resgatando, assim, a cultura nipônica tão defendida por muitos autores, principalmente pelo estúdio Ghibli, além disso, elas ajudam na contextualização da trama em seu período histórico.
  O grande respeito pela cultura, entretanto, pode apresentar seus problemas. Adaptando fielmente um conto tão antigo acarretou problemas de roteiro, ter que lidar com os clichês presentes nele. Muitas das complicações, a fórmula de progressão, as mensagens, são bastante batidas e mesmo a própria releitura introduz novos, tornando ele o ponto mais fraco dessa construção.

  Every Frame a Painting

  Kaguya é sem dúvidas um marco visual para a animação. Seu estilo original chama atenção, principalmente por contrariar diversos outros muito difundidos, mesmo os utilizados dentro de seu estúdio. Quando perguntado sobre o assunto, Takahata diz que sempre quis utilizá-lo, principalmente depois de ter trabalhado com algo parecido em Tonari no Yamada-kun, com o artista Osamu Tanabe, que também é responsável pelo character design aqui. Ele diz também que, embora já tenha sido utilizado em outros trabalhos de animação em célula, essa técnica de desenho nunca foi profundamente explorada e que ele iria fazê-lo.
  A influência histórica foi, provavelmente, o ponto-chave no interesse por esse estilo. Ele se baseia é em uma tradição centenária no Japão. O Sumi-e, conhecido também como pintura caligráfica ou ink wash, em inglês, é uma vertente de arte nipônica, de origem chinesa, que tem como princípio base a caligrafia, utilizando-se de linhas bastante ostensivas em tinta preta, chamada de Sumi. Masterizado ao longo dos séculos, ele influenciou diversas outras escolas, mesmo através de países ocidentais.
  A caligrafia é datada anteriormente à cristo, tornou-se como arte na China durante a dinastia Tang e, após a adoção do budismo, foi levada ao arquipélago japonês no século XIV. Desenvolvido lá durante os séculos seguintes, misturou-se culturas já existentes, e mesmo à outros de origem européia, criando outras escolas como o Nanga e o Shijo.
  Suas filosofias seguem muito da tradição zen e o minimalismo. Coisas como: mais pode ser expresso com menos; o uso de cores não deve ser exagerado; a essência é demonstrada com poucos detalhes; balanço, claridade, harmonia e simplicidade.

  
  
  

  É comum em textos ver as características do Sumi-e presentes em Kaguya-hime serem confundidas com duas vertentes de arte ocidental, o minimalismo e o impressionismo. O minimalismo nasceu século XX, seu ideal era o de utilizar o mínimo necessário em seus trabalhos, porém, sem representar a realidade, simplesmente criar utilizando-se apenas do apelo estético, toda a interpretação seria feita pelo observador. Quanto ao impressionismo, ele surgiu no século XIX como uma forma de retratação do mundo que nos cerca sem o uso de linhas, com pinceladas fortes e evidentes, utilizando cores puras e tonalidades que representam bem iluminação, tentando passar uma abstração do real de maneira mais essencial do que havia sido feito anteriormente.

  

  As semelhanças entre os estilos são notáveis, entretanto, tão são as diferenças, cada um bebe de fontes diferentes. Mesmo que o impressionismo tente captar a visão do artista, ele faz isso através de composições complexas, de diversas cores e iluminação, além de não usar linhas. Ainda que o minimalismo use paletas reduzidas e composição o menos complexas possíveis, não é seu objetivo a representação do mundo real. Em Kaguya-hime a influência é nipônica, Isao Takahata, um grande nacionalista, representa muito da cultura japonesa em suas animações, seja na técnica ou no tema, é muito mais cabível comparar, então, sua obra às vertentes de seu próprio país. Portanto, é mais prudente usar de base as ideias do Sumi-e, e suas influências, para destrinchar o visual do longa, seus motivos e objetivos. Mesmo que este não represente a versão purista do estilo, mas sim conceitos mais generalistas dele. Por comparação ele está mais próximo de algumas pinturas das escolas Nanga e Shijo.

  

  Nota-se, com isso, que existe aqui um grande resgate histórico no uso desse traço, porém ele também possui um grande apelo estético, trazendo grande identidade às composições, sendo essa uma das grandes motivações que levaram à sua utilização. Ele ajuda, ainda, a criar a atmosfera de conto clássico e o impacto em diversas situações, principalmente nas feições caricatas dos personagens.
  Ao animar esse traço surgem ainda outras características. Como por exemplo as “inconsistências”, que são consequência de um ideal do diretor. Para ele uma das coisas responsáveis pela falta de alma na animação moderna, é o polimento dos desenhos, o animador faz um trabalho melhor quando desenha com o coração, rapidamente, instintivamente. Mas ao fazer isso os quadros saem levemente diferentes dos anteriores, o que causa a sensação de tremido, que poderia se considerar como erro, mas aqui contribui para o aumento da dinâmica, à agregação de movimento. Esse desenhar com o espírito, essa liberdade criativa deu origem à cenas incríveis, as mais impactantes, em quesito de animação, de todo o longa.

  

  Ambas sakugas encarnam o papel máximo dessa ideia na obra, a sensação de impacto e movimento só é obtida por conta do efeito esboçado. Linhas guiadas pelo sentimento, impacto criado pelo contraste, ambos extraídos do Sumi-e.
  Além dessa, outra conduta muito perceptível extraída dele foi o minimalismo, presente grande maioria das cenas. Ambientes com poucos elementos e/ou vazios, usando de tonalidades frias e pouquíssimo saturadas, com nuance ao invés de contraste. São as duas formas principais pela qual isso é entregue, a composição do ambiente e a paleta, cada qual tem sua fonte de inspiração e motivação.
  A simplicidade da mise en scène e as partes em branco vêm do conceito do uso do mínimo pelo máximo. Segundo ele é possível transmitir a essência das coisas apenas quando se usa a menor quantidade de elementos comunicativos para representá-lo. Isso se une à uma visão do Diretor, de que quando se retrata a realidade não é necessário descrevê-la em sua completude, por essa ser comum a todos, apenas indicações dela, e a menor quantidade possível, são o suficiente para trazê-la à mente do espectador, em seu íntimo. Em obras de fantasia, pelo contrário, a imagem só existe para o autor, por isso ele deve representá-la totalmente, pois a diegese é inerente à quem cria. Para chegar, dessa forma, ao âmago da coisa concreta, deve-se utilizar da experiência do interlocutor, evocando suas memórias através de mensagens inteligentes, estas que são mais ou menos efetivas dependendo da capacidade do artista. Essa filosofia aliada, principalmente, à dublagem, aos trejeitos e à animação, trazem o realismo tão perseguido pelo autor. Outro papel desempenhado por ela é o de trazer o foco ao primeiro plano da cena, onde estão os personagens ou outros componentes de maior importância no momento. Como por exemplo a cena abaixo.

  

  Ela está para libertar o pássaro da gaiola, apresentando o simbolismo, um tanto batido por sinal, do pássaro que representa a protagonista em busca da liberdade, e do desapego que ela demonstra pela riqueza. O shot é bastante “simples”. No segundo plano apenas o papel em branco, uma árvore, o telhado com uma lanterna pendurada e outro telhado de outro prédio, todos em tons acinzentados, com baixíssima saturação. No primeiro plano se encontra a personagem, a gaiola e o pássaro, em completo destaque. O que está ao fundo é o mundo, seu aspecto é comum à todos, entretanto o que está à frente é o momento, o sentimento, que é inerente à obra.
  A imagem acima destaca, também, um fator muito notável, o bom uso da paleta de cores. As cores frias e/ou pouco vibrantes, utilizadas para criar a atmosfera triste, e os fundos “incompletos”, são quebrados pelas cores mais fortes, principalmente as quentes, como o rosa e o vermelho. O resultado é a ampliação do efeito de realce do primeiro plano, chamando ainda mais atenção para o que é preciso. Além do mais, esteticamente, isso é muito inteligente, como quebra de constância na imagem. Para exemplificar a cena abaixo é interessante, embora isso seja utilizado durante boa parte do filme.

  

  Ela ocorre durante o sonho da protagonista com seu antigo lar. Nela aparecem as cores frias de baixa saturação em quase toda a seu todo, dando o ar triste. No fundo incompleto e pouco detalhado há apenas a indicação de que a floresta continua. Vindo à frente está a menina, o componente mais chamativo, o rosa bastante avermelhado de sua roupa quebra a constância da gradação, como uma nota diferente e alta em uma música. Um tempero que agrega estética ao momento, mas que também realça a tristeza demonstrada na feição dela, por mostrá-la com tanta ênfase. Ainda mais à frente está o galho com botões, uma mensagem de que a floresta ainda não morreu, o botão marrom não é tão evidente quanto o rosa, mas ainda é visível pelo contraste de cores. Uma mensagem que não precisa de tanta atenção quanto os sentimentos da personagem.
  Um trabalho muito diferente, embora de nível similar de qualidade, dos outros de Kazuo Oga, em geral. O diretor de arte é muito famoso pelos seus backgrounds no estúdio Ghibli, em animações como Tonari no Totoro, Sen to Chihiro no Kamikakushi, Mononoke-hime, entre outros. Neles se destacam a sua beleza, complexidade, naturalidade, paleta viva, com poucos contornos e valorização da cor em si. E então quase o seu oposto é feito em Kaguya-hime, backgrounds pouco detalhados, que apelam para a retratação parcial, paleta de baixa saturação e valorização dos contornos, para que se mesclem ao das pessoas e animais. Mesmo assim ele corresponde à sua fama, segundo Takahata, sem ele e Osamu Tanabe o longa jamais teria tamanha qualidade iconográfica.
  Para resumir quase todos os atributos visuais que tornam esse anime o que ele é, a cena seguinte é ideal.

  

  Ela começa com um chão frio preenchendo a tela toda, nele uma peça de roupa branca. A câmera anda e então outra peça branca cai, mais uma, essa vermelha, e, em sequência, um arco-íris de roupas toma o chão acinzentado. Elas gritam na tela: “ela está se livrando de suas roupas caras”. A cena segue com Kaguya correndo na rua cinza esverdeada, a animação com seu traço esboçado transmite movimento, pressa, raiva e desespero, ela tira todas suas roupas até sobrar apenas a peça mais simples, quase toda branca, com apenas um pedaço rosa remanescente, este que é tão recorrente que já faz parte da personalidade dela. Ela se destaca na tela, indo em direção ao ponto de fuga do quadro, a lua, rogando por ela, deixando para trás sua colorida riqueza, de um mundo que ela não desejou.

  Kaguya

  Existem várias linguagens úteis a uma obra midiática, essas podem, então, muito bem ser empregadas na criação de um personagem, o artista capaz é aquele que sabe utilizar suas ferramentas, e tal é Isao Takahata. Ele os constrói através de elementos de texto, como fala, ação e dramatização, visuais, como character design, animação, cenário e fotografia, e sonoros, como dublagem, sonoplastia e música. Tornando, assim, seu elenco um dos pontos fortes nesta trama fraca. Tendo em vista que Kaguya é o pilar fundamental da narrativa, era, sem dúvidas, necessário melhorar sua caracterização em relação à original, o diretor levou isso além, trazendo-a até o espectador, tocando-o em seu íntimo. Um dos primeiros pontos que refletem nessa melhora é o seu desenvolvimento.
  Aparece em um broto de bambu uma boneca divina. Um velho senhor recolhe-a acreditando ser uma benção dos deuses. A boneca viva torna-se um bebê ao ser acordada e daí então segue se a progressão do tempo com o espectador acompanhando o crescimento dela, suas descobertas, alegrias e tristezas. O aspecto de contemplação nessa parte da trama é bastante ressaltado, a trilha sonora suave e alegre que combina instrumentos japoneses clássicos com ocidentais, ajuda a transmitir a sensação de paz e calmaria. Porém, mesmo em momentos belos os fundos brancos azulados dão o aspecto de tristeza e é durante uma cena feliz de brincadeira infantil que percebemos à que o filme veio. As crianças cantam a música Warabe Uta, a qual terá um tópico dedicado abaixo. Então Takenoko começa a cantar junto, entretanto canta uma letra diferente da música, com uma dublagem triste, uma letra igualmente, enquanto olha o horizonte cheio de vida. A dublagem aqui, e durante o resto, é responsável por muito da carga emocional. A dubladora, escolhida a dedo, conseguiu a vaga justamente pela sua melancolia na voz, dentre dezenas de candidatos, selecionada por um dos artistas mais rígidos neste quesito. Além dela, a dublagem, a atmosfera de tristeza implícita construída até aqui, junto com o enquadramento do ambiente e o silêncio, despejam as emoções do personagem e transformam o momento no principal eixo da personalidade da pequena, a tristeza.
  No segmento posterior a este o cortador encontra dentro de um bambu um pote de pepitas de ouro, dias depois de dentro de outro voam tecidos caros, ele interpreta isso como uma mensagem dos céus para que ele dê à sua filha o status de princesa, assim ele constrói uma mansão da cidade e eles se mudam para lá. A inocência da criança não a deixa perceber o que havia acabado de deixar para trás, mas aos poucos a tristeza toma conta de seu cotidiano.
  Aqui um ponto importante, o uso de dramatização como tentativa de construção forçada do personagem é uma técnica muito comum. O uso de plots exageradamente dramáticos e, usualmente, sem profundidade como tentativa de aproximação rápida com o espectador. Claro, isso não cabe aqui, essa não é uma dessas animações, ao contrário, o drama é, sim, parte integrante da trama e é construído parte à parte desde o começo, utilizando todas as suas linguagens para tal. Da criança sorridente à adolescente deprimida, a trajetória de Kaguya passa por diversos pontos, e a progressão da sua personalidade se dá por consequência de sua história, e não o oposto, ou seja, a história não é uma desculpa para sua personalidade final. Sendo assim o espectador é transportado para a vida curta de menina e acompanha-a em um caminho de tristeza.
  Obviamente não é só o roteiro e o texto que constróem-na tão bem, a linguagem corporal, carro chefe dos dois mestres do estúdio, representa um ponto fortíssimo. Diversos fatores contribuem para uma boa expressão corporal, mas é a mímese, a análise e reprodução da realidade que nos cerca, que é a origem da qualidade. Na análise de Tonari no Totoro , no item “Do Especialista em Animação”, foi discorrido o mesmo que é válido em kaguya, ambos amigos de estúdio utilizam a mimese da gesticulação humana aliada à animação e, principalmente nesse caso, ao design. Uma imagem pode explanar muito bem isso, nesse caso uma série delas, um gif, embora neles não sejam possíveis capturam a incrível dublagem do cortador de bambus, que completa eximiamente o momento.

  

  Música e Poesia

  A trilha sonora com certeza é um de seus grandes pontos, suas melodias simples de ritmo lento são o silêncio musical ajuda na imersão no que a obra faz de melhor. Elas podem mesmo passar despercebidas em determinados momentos. Entretanto, existem duas canções que se destacam das outras, são elas Warabe Uta, com sua variação Tennyo Uta, e Inochi no Kyoku. Ambas compartilham de mensagens muito parecidas, mas são aplicadas em momentos diferentes.
  A primeira, Warabe Uta, é uma canção baseada em cantigas infantis cantadas em brincadeiras, escrita por Isao Takahata e Riko Sakaguchi, ela tem um estilo muito semelhante à abertura e ao encerramento de Tonari no Totoro, todavia aqui o objetivo é diferente, ao contrário da felicidade inocente, aqui o que paira no ar é a melancolia. A primeira vez em que esta música aparece é na cena citada, em que Takenoko canta com as crianças, ela continua Warabe no Uta com uma letra diferente, sua variação. Ela é cantada com a voz triste e profunda da dubladora, à capela. Como já dito, ela entrega à que veio o filme, em um momento de tristeza não dependente diretamente de complicações de roteiro, a partir daí ela é usada sempre que há lembranças do passado, para marcar o momento com um elemento que já foi associado à vivência no campo e à melancolia, um leitimotiv. Quanto à sua letra, ela é o segundo motivo pelo qual a música traz esse sentimento, e é nela que está inserida a reflexão. Podemos notar isso em seus versos:

  Warabe Uta
  .
  Maware maware maware yo mizu kuruma maware
  Mawatte ohisan yonde koi
  Mawatte ohisan yonde koi
  Tori mushi kemono kusa ki hana
  Haru natsu aki fuyu tsurete koi
  Haru natsu aki fuyu tsurete koi
  .
  Maware maware maware yo mizu kuruma maware
  Mawatte ohisan yonde koi
  Mawatte ohisan yonde koi
  Tori mushi kemono kusa ki hana
  Saite minotte chitta to te
  Umarete sodatta mizu kuruma mawari
  Senguri inochi ga yomigaeru
  Senguri inochi ga yomigaeru

  Gira, gira, gira
  Roda de água, gira
  Gire e chame o senhor sol
  Gire e chame o senhor sol
  Pássaros, insetos, bestas
  Grama, árvores, flores
  Traga a primavera, o verão, outono e inverno
  Traga a primavera, o verão, outono e inverno
  .
  Gira, gira, gira
  Roda de água, gira
  Gire e chame o senhor sol
  Gire e chame o senhor sol
  Pássaros, insetos, bestas
  Grama, àrvores, flores
  Flor, frutifique e morra
  Nasça, cresça e morra

  É bastante evidente, ainda mais conhecendo a história do autor, sobre o que fala a cantiga. Na primeira estrofe, os quatro primeiro versos trata do passar do tempo, da vida que corre, que gira, para todos, para qualquer criatura viva, pássaros, insetos, bestas, grama, árvores, flores, eles que representam a segunda mensagem, a beleza do mundo. Então nos dois últimos versos, conclui-se dizendo o que já era implícito, o tempo passa, você nasce, cresce e morre. A versão Tennyo Uta continua o pensamento introduzindo significado ligado à outra parte do plot também:

  Maware megure megure yo harukana toki yo
  Megutte kokoro o yobikaese
  Megutte kokoro o yobikaese
  Tori mushi kemono kusa ki hana
  Hito no nasake o hagukumite
  Matsu to shiki kaba ima kaeri komu

  Vá girando, venha girando, girando
  Ó tempo distante
  Venha girando, chame meu coração
  Venha girando, chame meu coração
  Pássaros, insetos, bestas
  Grama, àrvores, flores
  Me ensinem como sentir
  Se eu ouvir que você anseia por mim, eu retornarei para você

  Esta estrofe adicional se refere à música alterada que a protagonista ouvia de outro deus que havia estado na Terra, porém, também se refere ao que vêm após a morte,, à saudade da beleza da existência terrena. Isso é reafirmado durante várias partes do filme, como música aparece novamente no tema de encerramento Inochi no Kyoku (Quando me lembro dessa vida). Sua letra abaixo:

  Esta estrofe adicional se refere à música que a protagonista ouvia de outro deus que havia estado na Terra, uma versão alterada, porém, também se refere ao que vêm após a morte, à saudade da beleza da existência terrena. Isso é reafirmado durante várias partes do filme, por exemplo no tema de encerramento Inochi no Kyoku (Quando me lembro dessa vida). Sua letra abaixo:

  Anata ní fureta yorokobí ga
  Fukaku, fukaku
  Kono karada no hashíbashí ní
  Shimikronde yuku
  .
  Zutto tooku
  Nani mo wakaranaku natte mo
  Tatoe kono inochi ga
  Owaru tokí ga kite mo
  .
  Ima no subete wa
  Kako no subete
  Kanarazu mata aeru
  Natsukashii basho de
  .
  Anata ga kureta nukumori ga
  Fukaku, fukaku
  Ima haruka na toki wo koe
  Michi watatteku
  .
  Jitto kokoro ni
  Tomosu jounetsu no honoo mo
  Sotto kizu wo sasuru
  Kazashimi no fuchi ni mo
  .
  Ima no subete wa
  Mirai no kibou
  Kanarazu oboeteru
  Natsukashii basho dee
  .
  Ima no subete wa
  Kako no subete
  Kanarazu mata aeru
  Natsukashii basho de
  .
  Ima no subete wa
  Mirai no kibou
  Kanarazu oboeteru
  Inochi no kioku de

  A alegria que senti quando te toquei
  Foi profunda, profunda
  E se infiltrou
  Em todos os cantos deste corpo
  .
  Mesmo se eu estiver longe
  E não entendia mais nada
  Mesmo quando chega a hora
  Para esta vida terminar
  .
  Tudo de agora
  É tudo do passado
  Nos encontraremos de novo, tenho certeza
  Em algum lugar nostálgico
  .
  O calor que você me deu
  Profundo, profundo
  Vem para mim agora, completo
  De um tempo passado
  .
  Firmemente no meu coração
  As chamas da paixão iluminam
  E suavemente acalmar minha dor
  Até as profundezas da minha dor
  .
  Tudo agora
  É esperança para o futuro
  Vou me lembrar, tenho certeza
  Em algum lugar nostálgico
  .
  Tudo de agora
  É tudo do passado
  Nos encontraremos de novo, tenho certeza
  Em algum lugar nostálgico
  .
  Tudo agora
  É esperança para o futuro
  Vou me lembrar, tenho certeza
  Quando eu lembro desta vida

  Escrita e interpretada por Kazumi Nikaido, uma budista moradora de um templo em Kyoto. A filosofia da religião é bastante óbvia nas letras, assim como em várias partes do filme. A parte instrumental serve de base para algumas OSTs, com um princípio parecido com o usado em Warabe Uta, só que ao invés de introduzir, ela encerra o desenvolvimento. Os versos que, talvez, melhor representem as duas mensagens, são os presentes no quarta e nas duas últimas estrofes. Mesmo que a letra pareça romântica, um olhar atento e percebe-se sua ligação com a reflexão proposta pela adaptação. Ela encerra, de maneira tocante esta peça de arte.
  Essas duas canções são a demonstração mais explícita do conceito: “viva a vida, ela é bela, porém curta”. A maneira com que a história original foi adaptada reforça essa interpretação, a vida de Kaguya passa mais rápido do que o normal, e seus momentos de felicidade são ainda mais, apenas sua infância valeu a pena, o resto de seus dias na terra foram devorados por um ideal social de felicidade , cercado por riquezas. A vida que queria experimentar na Terra foi engolida, pouco tempo de alegria e então apenas o sofrimento seguido de uma “morte” precoce, de volta à Lua.
  Pode-se dizer sim “mas essa é uma mensagem muito comum”, realmente, porém não executada dessa forma, com tantas bases de sustentação, tantas boas bases.

  Flor, frutifique e morra

  Paku-san com certeza foi uma que deu origem a um dos frutos mais ricos na história da mídia, seu último antes de uma morte triste aos seus 82 anos. Kaguya-hime no monogatari é uma obra incrível em diversos pontos, a carga emocional e estética são usados com a maestria de um gênio que se renovou até seus últimos dias. Intencional ou não, o que torna essa história trágica ainda mais triste é saber que o velho senhor fala sobre a beleza e a fugacidade do que viveu logo antes de deixar o enorme buraco, irreparável, no mundo da arte. Deixou para trás renovação dos métodos de animação e da cultura japonesa, seu legado, a semente deixada por esse fruto, cultivá-la é tarefa dos que estão por vir. No fim: Vou me lembrar, tenho certeza, quando eu lembro desta vida.

  Wakare, Takahata-san (1935 - 2018)
  Continue on AniList
• 

  Joshimatsu

  100/100
  Isao Takahata's Magnum Opus

  I am constantly in awe when reflecting upon how downright ravishingly beautiful of an artistic achievement this film is. I'll attempt to describe my impressions to you. Isao Takahata made his ultimate masterpiece with this film. In every sense of the word. As much as his death in April of 2018 pained my soul (especially upon discovering he was planned to direct a short film in Studio Ponoc's recent Modest Heroes anthology), there could not have been a more perfect film to go out on. Very rarely has any movie made me visibly emotional, but Kaguya accomplished the task like it was child's play. At moments I was laughing, then in a later scene I was immediately reduced to a sobbing mess. Movies have made me tear up before, but never full on cry. Except, of course, for Grave of the Fireflies (another film oh-so conveniently directed by Takahata). Takahata has a great understanding of human emotions not often seen by other directors. Emotions almost literally spill off the screen in his films, and Princess Kaguya is no exception. The film itself is a lovely metaphor for life itself. In that it makes you feel every emotion in the book.

  Characters
  You go on a journey with this strong women who constantly refuses to form into the mold that society dictates she must fit into. Kaguya is a very interesting protagonist, and you never want to take your eyes off the screen. The ways she thwarts her "enemies" are more emotional than physical, she's smart like that. The story starts out with a charming air of enthusiasm as little Kaguya explores this beautiful world, but be warned. While it offers many themes of life to ponder over, this is not what I would describe as a happy tale. As Kaguya matures, so too does the tone of the film. It gets increasingly dark in its subject matter, and Kaguya's life doesn't exactly get more uplifting. But she grows as a person, and it reminded me of my own struggles in life. When you're young, you are much more oblivious to the dark and sometimes evil world out there. And throughout the film Kaguya realizes that life without true happiness isn't really living at all. There are many lovable characters you meet throughout the film, and like any Ghibli film worth its salt, this film doesn't have any clearly defined villain either. There are definitely some less than desirable characters in there (the emperor definitely comes to mind, he was an ass), but none are outright evil. There are a lot of assholes in the real world too. Kaguya's adoptive mother and father are caring and gentle, and only want what they personally think is best for her. Even if her views of happiness don't match up with theirs. Oh, and Kaguya's handmaiden was absolutely aces (whom I eventually found was voiced in the dub by the wonderful Hynden Walch, the voice of Princess Bubblegum, which makes it even better).

  Art and Animation
  The artwork is of course a very high selling point for the film, and one of its greatest strengths. Inspired by traditional watercolor paintings and charcoal sketches from ancient Japanese scrolls and envisioned by the criminally unknown but massively influential artist Yoshiyuki Momose (who partnered with Takahata on many of his films to bring the director's ideas to visual fruition), the film's emotions at many times come through in the art itself. During one particularly notable scene in the film when Kaguya escapes from the castle in an enraged fury, the animation follows suit by evolving into an erratic and wild explosion of rough charcoal lines and tones of black and grey, with a striking and ominous moon looming in the background (a symbol that is foreshadowed many times throughout the film). Another sequence involving a nobleman hunting down a dragon of legends is so fluidly drawn yet rough at the same time. It was absolutely entrancing. In fact, now that I think about it, The Tale of the Princess Kaguya is probably the only animated film that truly takes advantage of the capabilities of the animated medium. It employs its unique visual style to actually enhance the mood the film is attempting to get across, making it all the more powerful.

  Sound
  The soundtrack by Joe Hisaishi is possibly equally as wonderful. It only enhances the film's impact, with beautiful tracks that have stayed imprinted in my head ever since. It just feels so right. The main theme that repeats throughout the film represents the beauty of life, perfectly accommodating the film's own themes. And it doesn't hurt that it's also extremely catchy, as well as the upbeat Celestial Being music that plays during a not-so-upbeat moment during the climax of the film. There's also one more recurring track initially played at the beginning of the film that is a very simple but haunting melody that stuck with me until the end. Hearing it now having seen the film tends to bring a tear to my eye. I do believe it is some of Hisaishi's best work. We were spoiled the year of this film's release with not one but two of his soundtracks, the other for The Wind Rises. And while that film's soundtrack was great as well, I feel as though this one edges it out simply by being so perfect for the film it's accompanying. Everything is just so wonderfully timed.

  Some lovely Japanese tracks are played on the koto as well, so while Ghibli's English dub (which is included in the Japanese release) is just as high quality as we've come to expect (It has James Caan!), I'd personally recommend that you watch it in its original Japanese first so you can experience the lovely singing. It's always difficult to re-dub those scenes in foreign films anyway, but Ghibli did a good job with it nonetheless.

  Closing Thoughts
  In closing, should you see this film? Yes. As soon as it is humanly possible for you to do so. It's stuck with me long after I've seen it, just like all great films do. And hopefully it will stick with you as well. It will make you laugh, it will make you cry. It will make you feel human. And I respect any work of art that can make me feel that way. To describe the plot in any more detail would be to rob you from experiencing it for yourselves. The best recommendation I can give you is to go in blind, and if you haven't read the original story yet that'd be even better. This way you'll get the full, unspoiled experience.This is indeed Isao Takahata's magnum opus, and Ghibli's penultimate achievement. Definitely check it out. Just make sure you have a box of tissues handy. Or two.

  Continue on AniList
• 

  Juliko25

  93/100
  What else is there to say? A masterpiece beyond all words.

  Movies have been the main driving force in bringing entertainment to the world, ever since its infancy in the very late 1800s. Movies have evolved since its beginnings, and have now become a daily part of our life, but as a result of there being so many, there are now so few that truly stand out among the rest unless someone looks really hard. But there are people out there who still consider both movies and animation to be art forms in their own right, and combine them together to make a truly magnificent and ambitious viewing experience for a viewer. Studio Ghibli is one such example. They've been making movies since the 80s and are universally loved and praised by all who know them because they love and care for the art form and make movies that everyone of every country can enjoy, that are without equal. But in 2013, Isao Takahata, the director of the critically acclaimed Grave of the Fireflies, set out to make a very ambitious movie based on one of the oldest stories in the world, The Tale of Princess Kaguya.

  The story is about an old man who finds a very tiny girl growing from a magical bamboo stalk. In awe of her beauty, convinced that she is a blessing sent from Heaven, he takes her home to his wife. She then morphs into a baby, and the old couple decide to raise the girl as their own. But the girl the neighborhood kids call Little Bamboo is no ordinary girl. She is growing faster than any normal child. She is beautiful unlike any other girl in the world. Wanting to give their new daughter a happy life, the old man and woman go to the capital to live among the nobility, but Kaguya grows dissatisfied with her new rich life, as it's not like the free life she lived with her friends in the country. It doesn't help that men from all over want to marry her, seeing her as only a rare jewel or a prize to be won.

  The original story has been around for a millennium and is considered one of the oldest Japanese stories in the entire world, probably one of the oldest stories in the entire world in general. It's been constantly referenced, homaged, adapted into media, etc., ever since its original conception. No one knows who made it, but I must say, whoever made it will be very pleased with Isao Takahata's film version. There's no denying it: the animation is absolutely luscious. It's intentionally made to look like a watercolor painting in every single scene, which in itself is a homage to how traditional Japanese scrolls looked back in those times. One would think something like this would be made in the 70s or 80s, but it's easy to miss the fact that it only came out two years ago. Every single character is animated in a fluid, life-like way, and their movements are definitely true to life, from their changing facial expressions to the swinging movements their arms make. It's just so full of life and heart!

  The soundtrack is equally as beautiful. Every piece of music sets the atmosphere, mood, and tension of a scene absolutely perfectly, even the background music near the end that seemingly feels out of place but actually doesn't. I won't spoil anything because it's important to the story, but the music is a perfect blend of sadness and happiness for that scene, and it needs to be heard to be believed. In fact, my dad loved the music for that scene so much that the first thing he did upon returning home from the theater was listen to the OST on YouTube! He even bought a synthethizer so he could try and play a cover of the BGM for himself! You know a soundtrack is good if it makes people want to replicate it.

  The characters are all amazing in their own way. None of them feel incomplete, have subtle backgrounds, and they're all reasonably developed characters with their own well-defined roles. Even the side characters have a lot of personality, brought to life by the beautiful animation, and work so incredibly well with the main characters. Now, I have heard some complaints about Kaguya's behavior. Some even go as far as to call her a heartless jerk, or even evil, but that's not true. She's just simply a hormone addled teenager growing up in a harsh, strict, even misogynistic time period, deprived of the freedom she had when she was little. Haven't we all experienced the feelings she did at some point in our lives? Where we feel like the world and people on it are either against us or want to use us against our will for their own conveniences that we protest against but can't do anything about? Kaguya is a wonderfully flawed, realistic character whom I'm pretty sure many people can relate to. The story itself is relatively simple, and that works in the movie's benefit since with simpler stories you can flesh out the characters all the more, and the animators really did an amazing job with that.

  Now as of this writing, I've seen both the English and Japanese versions of the movie, and there's a French version I haven't seen yet. While I do love both versions in their own right, I do have some minor problems with Kaguya's English voice actress, Chloe Grace Moretz. This is the first work I've heard her in, and for the most part she's a reasonably good actress. However, during the dramatic scenes where she needs to raise her voice and be sad, crushed, and heartbroken, she...unfortunately really misses the mark, especially during the final third of the movie. When she cries, she sounds more like she's singing in a very subdued manner rather than screaming her guts out and letting herself be consumed by her sadness, and considering she makes absolutely no attempt to raise her voice or put any emotion in her acting during that last third, it pretty much makes the scene fall flat on its face. Which is a shame, because she nails everything else. The Japanese actress definitely handled it better, and I'm curious if the French version did the same.

  The story itself is very simple, and I read a copy of the story in college, so it's very short and sweet, so anyone can adapt it in any way they please. While this is the only version I've seen, I definitely feel its the best adaptation, and for me, nothing can top it. I'm not too familiar with Takahata's work, and I did see a majority of Grave of the Fireflies, but I never finished it, because it was too grim and sad. Many people consider Grave of the Fireflies to be his masterpiece, but I honestly feel Kaguya has not only a better story, but better animation, characters, and a stronger narrative that takes its time to develop itself and make its characters come to life. Seriously, Kaguya deserves so much more recognition than it gets, and it didn't exactly do so well in the box office, both in the US and Japan. Even so, it's a wonderful film on every level, and it deserves more recognition.

  If you want a genuinely good story that'll take you away from reality, check out Kaguya. In my opinion, its one of the best movies ever made.

  Continue on AniList

SIMILAR ANIMES YOU MAY LIKE

• MOVIE

  DramaHotarubi no Mori e
• ANIME

  ComedyChouyaku Hyakuninisshu: Uta Koi.
• ANIME

  DramaGenji Monogatari Sennenki
• MOVIE

  DramaGenji Monogatari
• ANIME

  DramaSaraiya Goyou
• ANIME

  DramaShouwa Genroku Rakugo Shinjuu
• Not Available
• MOVIE

  DramaOokami Kodomo no Ame to Yuki
• MOVIE

  DramaKono Sekai no Katasumi ni
• MOVIE

  ComedyHoohokekyo Tonari no Yamada-kun
• MOVIE

  AdventureArete-hime
• MOVIE

  DramaOmoide Poro Poro